Un anno di Beatles – 3

“I never sleep at night, I call your name.”

The boys were growing, like a baby would if we don’t see him for a while, in a few months they refine, develop, surprise. At the beginning of  April 1964 they have 5 singles topping the Us charts, it is incredible when you consider that England was a land of conquest (musically speaking) for the Americans. The list saw “Can’t Buy Me Love,” “Twist and Shout,” “She Loves You,” “I Want to Hold Your Hand” and “Please Please Me” in this order, but their singles in the Top 100 were 12!

Our analysis goes on with the following material:

  • 20/03/64  Can’t Buy Me Love b/w You Can’t Do That (45 rpm)
  • 19/06/64 Long Tall Sally/I Call Your Name/Slow Down/Matchbox (EP)
  • 10/07/64  A Hard Day’s Night b/w Things We Said Today (45 rpm)
  • 10/07/64  A Hard Day’s Night (LP)

Again, the band’s history from a song.
“I Call Your Name” is a very important song in the analysis of what happened: it has all the characteristics of a blues, but it’s not, also those of rock’n’roll, without being one, and the stigma of Pop, that they invented in those days.
Blues are the lyrics of the desperate crying of those who lost their woman for a mistake: “Oh I can’t sleep at night, But Just The Same, I never weep at night, I call your name”, but as happens in Blues there is not only sadness, the bluesman sings his desolation with a smile, as Lennon does now.
Like in Blues we have a structure with 7th dominant chords, but it’s made of different elements, with major and minor chords mixed wisely.
Rock’n’roll is the freedom of white kids to “steal” music from the black musicians, ma in their case is less insolent: where Elvis “stole” “That’s Alright Mama” from Arthur Crudup, playing it note-by-note like the original, The Beatles take, alter, transform, make something new from music that already existed.
Pop is all the rest: love lyrics for a girl, the compelling rhythm, the beautiful sounds with George’s 12 string used by many after him, the fresh and new harmonic structure.
To make things more interesting, the song has three (!!!) tempo changes, not just the one between verse and chorus, but a truly remarkable one under the guitar solo, the band goes from a straight time to a shuffle and then goes back, these are things that we do not care enough, it was 1963.

Not to mention “You Can’t Do That”, using the dominant 7th chords and the major and minor ones as they were one thing, with the addition of a 7b/9+ chord below the line “Because I Told You Before “, a chord that Hendrix made his trademark years after, it is performed here with nonchalance, as if thrown there.
The episode could end here, but it won’t. Those just described are not even the most important songs!

What about “Can’t Buy Me Love”, with Paul producing one of his legendary performances and many of the previous elements still applicable in this case? A Blues, but it seems everything but that. Even because it starts with Em/Am/Dm/G/C. Not exactly the typical structure of the Devil’s Music.

A Hard Day’s Night is the first work entirely made of originals, and again (it’ll happen until 1970) one remarkable piece like that described before stay out of the picture. The title-track opening chord sparked the welter of assumptions about its composition (it’s a G7th/4th), and the harmonic structure with the change of key is part of a mechanism that has changed music forever. Go and hear how it ends and we can talk about it.
As modern is the underestimated “When I Get Home”, which changes mood 2 or 3 times, from rock’n’roll to pop to the wildest rhythm and blues, all within two minutes. On each chord change we can hear decades of compositions of subsequent authors. “I’ll Be Back” goes back and forth all the time from major to minor within a couple of chords, but we do not realize it until we try and play it.
What we notice again is the huge variety of compositions, from the sweet melody of “If I Fell” or “And I Love Her”, to the driving rhythm of “Tell Me Why” and “Can’t Buy Me Love”, on the whole work we notice an always higher composing level, melody is never trite and we already discussed some brilliant examples of harmonic textures.
Lyrics start to be a little more mature, it’s not just about trying to reach young girls with simple words of love: on “Anytime At All” John offers his shoulder to a crying friend, “Can’t Buy Me Love” is clearly addressed to girls who wish “to be bought” with jewels, but Paul is clear in what he sings,  I can give you a diamond ring, but you can’t buy me love.


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Legendary will always be the beginning of “And I Love Her”, with George on nylon-string guitarand a short but very intense solo played in a somewhat “Hispanic” way, as the arpeggio played under the verse; the song is a jewel, soft as only a piece sung by McCartney can be, and it demonstrates how their compositional skills grew up quickly. Yes, because where songs like “A Hard Day’s Night” or “Can’t Buy Me Love” go toward rock’n’roll in their own way, ballads like these are showing even more clearly what a song like “All My Loving” had already shown.

Arrangements
“And I Love Her” doesn’t feature drums, acoustic guitars and bass get everything together along with percussions, not much else happens, if not that we listen to a great record with no tricks,  just plain songs.

Voices
“If I Fell” is a pearl, one of their best songs, the introduction is completely out of key compared to the song (it starts in Db but the main key is D), the first passage is Ebm/D/Db, which is basically a tritone substitution like those used in jazz music, but is so beautiful that practically goes under silence!
The whole song is sung by two voices (John and Paul explicitly asked to use a single microphone together), a few times they did better than this: listen to John’s part using half-tones in a great way, the words “Oh please” sang together give us a wonderful interval to listen to.
“Tell Me Why” is pure fun, sung all over the top and harmonized beautifully, it sounds like a 30’s piece with John singing the lead and the others to respond until the explosion of falsetto on “Is there anything I can doooo”, perfect in his crazyness.

(read the rest on Laster)


Winston’s Thoughts


by Davide Canazza

A Hard Day’s Night is the first mature album of the Beatles. The road taken by With The Beatles results in an LP that consecrates them simultaneously around the world, thus giving rise to the phenomenon that is now called Beatlemania.
In addition to the new album the Beatles are playing the movie, the first feature film that sees them as actors and performers themselves, struggling with a typical day: transfer by train to the place of a concert and rehearsals for the show. All while trying to escape by hundreds of screaming girls and wild fans. The first seven tracks on the album are the soundtrack of the film.

Their first album is the first masterpiece of the Liverpool quartet, not only for the lyrical and musical content of the thirteen tracks – all signed Lennon-McCartney – but also because the personalities of the two bandleaders start to emerge. Paul is now more independent, his style is maturing. The compositions are always signed by the two of them, but you can already hear what are the parts of either and which ones are still made in pairs.
The step forward was already evident by “Can’t Buy Me Love”, recorded in just four Takes in Paris (first and only session outside the British soil). The rest of the disc is however recorded at the return from their first trip to the USA and the historical participation in their first Ed Sullivan Show: breathing the same air of those who were their primary source of inspiration, the giants of the blues, R’n’R and Rhythm and Blues should have affected not just their compositions!
New arrangements peep in the thirteen tracks, along with the presence of new sounds favored by the entry of new instruments: George’s Rickenbacker 360-12, nylon string guitar, percussion and a lot of piano.


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In 1972 John Lennon asked the newyorker luthier Ron De Marino, to put a “Humberdincker” in the neck position of his mid ’50s Les Paul Junior! Of course he meant a humbucker, but the concept was clear. “I’m just a rhythm guitarist”, he said, as if to say: “I know what I want even if I don’t know the right terms”. In short, in the end, the important thing is the sound!
This premise is to say that Lennon’s preparation was not very technical and theoretical, but he always knew how to accompany a song and how to choose the most appropriate sound. That’s why in every album, and also and especially on A Hard Day’s Night, the use of acoustic guitar is massive and frequent.
The arrangements are always sharp and the sounds are balanced. Lennon’s guitar never interferes with Harrison’s one, and it’s never superimposed on the other one. In short, the two guitars never duplicates their parts, and I know that is never easy to play in a band with two guitars: the risk is that they sound the same thing!
Lennon’s acoustic appears on “And I Love Her”, “A Hard Day’s Night”, “I Should Have Known Better”, “If I Fell”, “Can’t Buy Me Love”, “Any Time At All”, “I’ll Cry Instead”, “Things We Said Today”, “I’ll Be Back”: nine out of thirteen songs!
Listening to the album’ several outtakes allows to understand the recording techniques used by the Beatles in 1964: they often recorded the complete backing track with drums, bass, Lennon’s rhythm guitar, Harrison’s guitar and lead voice. Backing vocals, choirs, guitar solos and other instruments were added in  the overdubbing phase.
It is interesting to find out that the first version of “And I Love Her”, played with electric guitars, had a very heavy arrangement , and “I’ll Be Back” was originally in a three quarters tempo.

(read the rest on Laster)


“I played with John Lennon”


by Rod Davis (II part)

We are lucky enough to share with all of you Rod Davis’ thoughts, he was an original member of The Quarrymen, the first band John Lennon ever played with. Rod is part of the famous picture in which a young Lennon leads the band in which Davis played the banjo. Now the english musician tours the world with the re-formed Quarrymen and takes us back in time, when everything was beginning.

* * *

«We practised at least once a week in the houses of different members of the band. John was always the lead vocalist and the rest of us would sing the choruses, always in unison, I don’t think we understood what harmony was!
On stage there was never more than one microphone which naturally always went to John. We had no electric guitars and no amplifiers, so we thrashed the guitars and banjo as hard as possible to make some volume. No one was capable of playing a guitar solo and it would have been hopeless anyway without amplification. We frequently had to ask our drummer Colin to play more quietly, preferably with brushes rather than sticks, so as not to drown the rest of the group.
I eventually bought a banjo tutor and learned some chord inversions higher up the neck of the banjo but John would never let me use them, he said I had to play the same as everybody else.
We had no musical ambitions, we were just a bunch of kids enjoying ourselves, being up on the stage in front of our friends, especially the girls.
We played at the Cavern three or four times at least in early 1957, we also played at dances in the interval between a proper dance band. In Liverpool there were many skiffle competitions which we entered but without success.
I drifted out of the Quarrymen around the end of July 1957, just before Paul Mc Cartney came in, in effect he replaced me. I was not interested in rock ‘n’ roll, in fact I actively disliked it, preferring the more country and folk material which originated from groups like the Carter Family.
From 1957 onwards electric guitars and amplifiers started to become available in Britain, but they were still very expensive. But by this time there were guitarists emerging in Britain who could play solos, George Harrison being a prime example.
Although the majority of skiffle groups became rock ‘n’ roll groups, others became folk groups or country and western bands. As well as being the source of the rock music boom in Britain, skiffle can also take the credit for the folk music boom which began in the late 1950’s.
There was a concert a few years ago at the Albert Hall in London called “Skiffle – the Roots of British Rock” at which people like Adam Faith, The Shadows, Cliff Richard, Tony Sheridan, Screaming Lord Sutch, Wee Willie Harris, Chas and Dave, Joe Brown and many others paid tribute to skiffle, the music which had started them all off on their careers.
No doubt about it, without the skiffle craze the rock scene in Britain would never have happened and I personally have Lonnie Donegan to thank for my lifetime interest in music.»

You had John Lennon in the band, was that at the time something you noticed? I mean, was there something about his approach to music that made him different?
«John was not much good as a guitarist – we all just played three or four chords but he was very charismatic fronting the group as the singer and he could hold the attention of an audience very well. Mind you, if you have the only microphone in a group it’s easier for you to be charismatic that for the other poor guys with no microphone!
As I pointed out earlier, John would fill in the words to the songs which we couldn’t obtain, one of which was “Come go with me”, originally by the DelVikings. We sang lots of songs about trains and jails, so John had us sing: “Come, come, come, come, come go with me / Down, down, down, down, to the penitentiary».
No “penitentiary” was mentioned in the original song but it sounded good and it scanned well. Paul McCartney when he first set eyes on the Quarrymen at St Peter’s Church Fete claims that we were performing this song, and he was very impressed by the way that John was improvising the lyrics as he thought, however we always sang it that way!
I’m afraid that I didn’t recognize any major musical talent in John at the time, a shiver never went down my spine when he sang… although listening to a scrap of the recording of “Putting on the Style” which was made at St Peter’s in 1957, his voice does now seem to be quite remarkable. We were just one of the hundreds of skiffle groups in Liverpool.

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His major evident talent at the time was his drawing, he was a brilliant and savage cartoonist which was immediately apparent to anyone who saw his drawings.»

“I never sleep at night, I call your name.”

I ragazzi crescevano, come crescerebbe un bambino che se non lo vediamo per un po’ è cambiato completamente: nel giro di pochi mesi i quattro affinano, mettono a punto, stupiscono. Nell’aprile del 1964 arrivano ad avere ben cinque singoli ai primi cinque posti delle classifiche USA: la cosa ha dell’incredibile se si pensa che l’Inghilterra era da sempre terra di conquista (musicalmente parlando) degli americani. La classifica vedeva “Can’t Buy Me Love”, “Twist and Shout”, “She Loves You”, “I Want to Hold Your Hand”, e “Please Please Me” nell’ordine, ma i singoli nella Top 100 erano addirittura dodici!

La nostra analisi prosegue su questo materiale:

  • 20/03/64 Can’t Buy Me Love / You Can’t Do That (45 giri)
  • 19/06/64  Long Tall Sally/I Call Your Name/Slow Down/Matchbox (EP)
  • 10/07/64  A Hard Day’s Night / Things We Said Today (45 giri)
  • 10/07/64  A Hard Day’s Night (LP)
  • Ancora una volta, da una canzone, la storia della band.
    “I Call Your Name” è un brano davvero importante nell’analisi di ciò che accadeva: ha tutte le caratteristiche di un blues, ma non lo era; ha anche quelle del rock’n’roll, senza esserlo, e ha le stigmate del pop, da loro inventato in quei giorni.
    Del blues troviamo il testo disperato di chi piange la propria donna, persa per un errore commesso: «Oh I can’t sleep at night, but just the same, I never weep at night, I call your name». Ma, come nel blues non c’è solo tristezza, il bluesman canta la sua desolazione con il sorriso sulle labbra, come Lennon fa ora.
    Del blues troviamo la struttura ad accordi di settima, ma stravolta come spesso abbiamo visto accadere, nella successione degli accordi e nella loro scelta, maggiori e minori mischiati con cura.
    Del rock’n’roll troviamo la libertà dei ragazzi bianchi di appropriarsi della musica dei neri, ma nel loro caso è meno sfacciata: dove Elvis ha letteralmente rubato “That’s Alright Mama” da Arthur Crudup, eseguendola nota per nota fedele all’originale, i Beatles, prendono, modificano, trasformano, rendono nuovo qualcosa di preesistente.
    Del pop troviamo tutto, il testo d’amore per una ragazza, il ritmo coinvolgente, i suoni splendidi con la 12 corde di George che sarà poi usata da molti dopo di lui, la struttura armonica nuova e fresca.
    Come se non bastasse, il brano ha tre (sic!) cambi di tempo, non solo quello fra strofa e ritornello, ma uno davvero notevole sul solo di chitarra: la band passa da un tempo dritto a uno shuffle per poi tornare subito indietro. Sono cose a cui non facciamo abbastanza attenzione, era il 1963.

    Per non parlare di “You Can’t Do That”, che utilizza gli accordi di settima di dominante e quelli maggiori e minori come fossero una cosa sola, con l’aggiunta del 7b/9+ sotto il verso «Because I told you before», accordo che Hendrix anni dopo rese un suo marchio di fabbrica: qui è esibito con nonchalance, quasi buttato lì.
    La puntata potrebbe finire, ma non lo farà. Quelle appena descritte non sono neanche le canzoni più importanti!

    Che dire infatti di “Can’t Buy Me Love”, con Paul che sforna una delle sue leggendarie performance e molti degli elementi trovati nell’analisi precedente, validi al cento per cento anche in questo caso? Un blues, ma tutto sembra tranne che quello. Anche perché inizia con MIm/LAm/REm/SOL/DO. Non proprio la tipica struttura della musica del diavolo.

    A Hard Day’s Night è il primo lavoro solo di brani originali, e ancora una volta (e succederà fino al 1970) resta fuori un pezzo notevole come quello di cui abbiamo scritto in apertura. L’accordo di apertura della title track ha scatenato ridde di ipotesi sulla sua composizione (è un Sol7/4) e la struttura armonica con il cambio di tonalità fa parte di quel grande meccanismo che ha stravolto la musica. Andate a sentire come finisce e ne riparliamo.
    E molto moderna è la troppo sottovalutata “When I Get Home”, che cambia mood due o tre volte, passando dal rock’n’roll al rhythm’n’blues e al pop più sfrenato, tutto nel giro di due minuti: su ogni cambio di accordo si avvertono decenni di composizioni successive di altri autori. “I’ll Be Back” passa dal maggiore al minore di continuo e nel giro di un paio di accordi, ma non ce ne accorgiamo fino a quando non proviamo a suonarla.
    Quello che notiamo ancora una volta è la grande varietà di composizioni: si spazia dalla splendida melodia di “If I Fell” e “And I Love Her” alla forza trascinante di “Tell Me Why” e “Can’t Buy Me Love”. In tutto il lavoro si osserva un livello medio delle composizioni che è sempre più alto, la melodia non è mai banale e della parte armonica abbiamo già sottolineato esempi lampanti di innovazione. I testi iniziano poi a farsi un po’ più maturi, non c’è solo la voglia di conquistare le ragazzine con semplici frasi d’amore: in “Anytime At All” si offre la propria spalla all’amico (o amica) che ne avesse bisogno per piangere; “Can’t Buy Me Love” è chiaramente indirizzata a tutte le ragazze che cercano di essere ‘comprate’ con gioielli o altro, Paul è chiaro in ciò che afferma: ti posso anche regalare qualcosa di valore, ma l’amore non si compra.


    In esclusiva per Fingerpicking.net


    Leggendario resterà sempre l’inizio di “And I Love Her”, con George alla chitarra con corde in nylon e un assolo breve ma molto intenso, suonato in maniera un po’ spagnoleggiante, come l’arpeggio che accompagna la strofa. La canzone è un gioiello di rara bellezza, morbidissima come solo un brano cantato da McCartney può essere, ed è la dimostrazione di quanto le composizioni maturassero in fretta. Sì, perché dove brani come “A Hard Day’s Night” o “Can’t Buy Me Love” vanno nella direzione del rock’n’roll rivisto alla loro maniera, brani lenti come quelli appena citati iniziano a far vedere sempre più chiaramente ciò che una canzone come “All My Loving” aveva già dimostrato.

    Gli arrangiamenti
    “And I Love Her” manca della batteria, le chitarre e il basso reggono tutto con l’ausilio delle sole percussioni, ma poco altro succede se non che ci si trova di fronte a un lavoro di livello assoluto: non si cerca l’effetto a sorpresa, ma la canzone pura e semplice.

    Le voci
    “If I Fell” è una perla, una delle migliori canzoni dei Beatles: l’introduzione è completamente fuori tonalità rispetto alla canzone (inizia in REb ma il pezzo è in RE); il primo passaggio MIbm/RE/REb è praticamente una sostituzione di tritono di quelle che si usano nel jazz, ed è talmente bello che passa quasi sotto silenzio!
    Inoltre la canzone è tutta cantata a due voci (i due chiesero espressamente di cantarla in un solo microfono). Poche volte John e Paul sono riusciti a far meglio: ascoltate John che armonizza in basso usando i semitoni in maniera sapiente; le parole «Oh please» cantate dai due danno un intervallo vocale splendido.
    La divertente “Tell Me Why” è cantata tutta sopra le righe e armonizzata in maniera sapiente: sembra un pezzo degli anni ’30 con John che canta e gli altri a rispondere in crescendo fino all’esplosione del falsetto di «Is there anything I can doooo», perfetto nella sua follia.

    (leggete il resto su Laster)


    I Pensieri Di Winston


    di Davide Canazza

    A Hard Day’s Night è il primo album maturo dei Beatles. La strada intrapresa con With The Beatles sfocia in un LP che li consacra contemporaneamente in tutto il mondo, dando così origine a quel fenomeno che viene subito chiamato Beatlemania.
    Oltre al nuovo disco i Beatles stanno girando l’omonimo film, il primo lungometraggio che li vede come protagonisti e interpreti di loro stessi, alle prese con una loro giornata tipo: trasferimento in treno verso il luogo di un concerto e prove dello show. Il tutto mentre cercano di scappare da centinaia di fan scatenati e ragazze urlanti. Le prime sette tracce dell’album costituiscono anche la colonna sonora del film.

    Il loro terzo album è il primo capolavoro dei quattro di Liverpool, non solo per il contenuto lirico e musicale delle tredici tracce – tutte firmate Lennon-McCartney, tra l’altro – ma anche perché iniziano ad emergere le personalità dei due leader della band. Paul è ora più indipendente, sta maturando un suo stile. Le composizioni sono firmate col binomio, ma si capisce già quali sono i pezzi dell’uno o dell’altro e quali invece vengono ancora composti in coppia.
    Il passo in avanti si avvertiva già da “Can’t Buy Me Love”, incisa in sole quattro takes a Parigi (prima ed unica session fuori dal suolo britannico). Il resto del disco viene però registrato al ritorno dal primo viaggio in USA e alla storica partecipazione al primo loro Ed Sullivan Show: respirare la stessa aria di coloro che sono stati la loro fonte d’ispirazione primaria, i giganti del blues, del rock’n’roll e del rhythm’n’blues deve aver influenzato non poco le loro composizioni!
    Nuovi arrangiamenti fanno capolino nelle tredici tracce, affiancati alla presenza di nuove sonorità favorite dall’ingresso di nuovi strumenti: la Rickenbacker 360-12 di George, la chitarra classica, percussioni e tanto pianoforte.


    In esclusiva per Fingerpicking.net


    Quando Lennon, nel 1972, portò al liutaio newyorkese Ron De Marino la sua Les Paul Junior della metà anni ’50 per aggiungere un pickup al manico, gli chiese di mettere un “humberdincker”! Naturalmente intendeva un humbucker, ma il concetto era chiaro. «Sono solo un chitarrista ritmico» affermò, come dire «so cosa voglio anche se non conosco i termini». In poche parole, l’importante alla fine è il sound!
    Questa premessa è per dire che la sua preparazione non era molto tecnica e teorica, anche se sapeva sempre come accompagnare una canzone e come scegliere il suono più adatto. Ecco perché in tutti gli album, e anche e soprattutto su A Hard Day’s Night, l’uso della chitarra acustica è massiccio e frequente.
    Gli arrangiamenti sono sempre curati e i suoni equilibrati, la chitarra di Lennon non interferisce mai, o si sovrappone, a quella di Harrison. Insomma le due chitarre non sono mai un doppione, e sappiamo che non è mai facile, almeno per chi non ha abbastanza esperienza o preparazione, far suonare assieme e bene due chitarre in una band: si rischia sempre che alla fine suonino la stessa cosa!
    L’acustica di Lennon compare, oltre che sulla citata “And I Love Her”, su “A Hard Day’s Night”, “I Should Have Known Better”, “If I Fell”, “Can’t Buy Me Love”, “Any Time At All”, “I’ll Cry Instead”, “Things We Said Today”, “I’ll Be Back”: nove canzoni su tredici!
    L’ascolto di varie outtakes dell’album permette di capire le tecniche di registrazione utilizzate dai Beatles nel 1964: spesso veniva registrata in presa diretta la base completa con batteria, basso, chitarra ritmica di Lennon, chitarra di Harrison e voce guida, per poi aggiungere cori e altre voci in fase di sovraincisione, ed eventuali assoli e strumenti aggiuntivi.
    Interessante è scoprire che la prima versione di “And I Love Her”, suonata con le chitarre elettriche, aveva un arrangiamento molto heavy, mentre “I’ll Be Back” era originariamente in tre quarti.

    (leggete il resto su Laster)


    “Ho suonato con John Lennon”


    di Rod Davis (II parte)

    Abbiamo la fortuna di poter condividere con voi i pensieri di Rod Davis, membro originale dei Quarrymen, la band con cui John Lennon iniziò la sua carriera. Rod è parte della celebre foto in bianco e nero dove si vede un imberbe Lennon guidare la giovane band in cui Davis suonava il banjo. Oggi il musicista inglese gira il mondo con i riformati Quarrymen e ci porta indietro nel tempo a quando tutto ancora doveva iniziare.

    * * *

    «Provavamo almeno una volta a settimana usando a turno la casa di ciascuno dei membri del gruppo. John era sempre il solista e gli altri facevano i cori, sempre all’unisono, non credo sapessimo cosa fosse un’armonia!
    Sul palco non c’era mai più di un microfono e naturalmente lo usava John. Non avevamo strumenti amplificati, quindi battevamo su chitarre e banjo più forte che potevamo per farci sentire! Nessuno sapeva suonare un assolo e comunque sarebbe stato inutile, visto che nessuno lo avrebbe sentito. Chiedevamo spesso a Colin di suonare la batteria più piano, magari con le spazzole invece che con le bacchette, per non coprire il resto di noi.
    Io comprai un metodo didattico per banjo e imparai alcune forme alternative di accordi più alte sulla tastiera, ma John non me le lasciava usare, voleva che suonassi quello che suonavano gli altri!
    Non avevamo particolari ambizioni musicali, eravamo un gruppo di ragazzini che si divertivano a stare sul palco di fronte ai loro coetanei, soprattutto le ragazze. Suonammo almeno tre o quattro volte al Cavern nel 1957 e qualche volta ci esibimmo in feste danzanti, nelle pause lasciate da un vero complesso da ballo. A Liverpool c’erano molti concorsi per band skiffle: partecipammo a diversi di essi senza successo.
    Lasciai i Quarrymen alla fine di luglio del ’57, quando Paul McCartney entrò nella band: in effetti mi rimpiazzò. Non ero interessato al rock’n’roll, per la verità proprio non mi piaceva, preferivo la musica country e folk di gruppi come la Carter Family.
    Dal 1957 chitarre elettriche e ampificatori divennero accessibili in Gran Bretagna, anche se erano molto costosi. In quegli anni si fecero strada i primi chitarristi solisti, George Harrison era uno di quelli.
    Nonostante la maggior parte dei gruppi skiffle trovarono la loro strada naturale nel rock’n’roll, altri preferirono percorrere quella del country-western. Così lo skiffle, oltre ad avere la paternità del boom della musica rock in Inghilterra, ha anche quella del boom della musica folk alla fine degli anni ’50.
    Anni fa alla Albert Hall di Londra si è tenuto un concerto intitolato “Skiffle – Le radici del rock inglese”, e artisti come Adam Faith, The Shadows, Cliff Richard, Tony Sheridan, Screaming Lord Sutch, Wee Willie Harris, Chas & Dave, Joe Brown e molti altri hanno suonato per omaggiare lo skiffle, il movimento musicale che è stato alla base delle loro carriere.
    Non c’è dubbio che senza quel movimento la pazza scena rock inglese non avrebbe avuto lo stesso corso, ed io personalmente ringrazio Lonnie Donegan per la mia passione di una vita per la musica.»

    Suonavi nella stessa band di John Lennon, hai notato qualcosa di speciale in lui? C’erano i segni di ciò che sarebbe diventato in seguito?
    «John allora non era così bravo a suonare. Tutti noi conoscevamo solo pochi accordi, ma lui era molto carismatico come leader del gruppo e sapeva come ottenere l’attenzione del pubblico. È ovvio però che, se sei l’unico della band ad avere un microfono, è più facile essere carismatico rispetto agli altri che non ne hanno!
    Come ho accennato, John riempiva i vuoti che restavano nelle canzoni quando non avevamo i testi completi. Una di queste era “Come Go with Me” dei Del-Vikings. Cantavamo un sacco di canzoni che parlavano di treni e prigioni, e su questa John cantava: “Come, come, come, come, come go with me / Down, down, down, down, to the penitentiary”. Nessun “penitentiary” era menzionato nella canzone originale, ma suonava e si adattava bene. Quando Paul McCartney vide i Quarrymen per la prima volta alla chiesa di St. Peter, ricorda di aver ascoltato questa canzone e di essere rimasto colpito da come John avesse migliorato le parole, anche se noi la facevamo sempre così!
    Mi dispiace non aver mai riconosciuto un particolare talento in John: un brivido non mi ha mai attraversato la schiena quando cantava, anche se ascoltando oggi “Puttin’ on the Style” registrata a St. Peter nel 1957, devo dire che la voce era notevole. Ma noi eravamo solo uno delle centinaia di gruppi di skiffle in città.

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    Il suo talento più evidente a quel tempo era il disegno, era un fumettista brillante e selvaggio, cosa immediatamente chiara a chiunque vedesse il suo lavoro.»

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    1. Carpandrea Reply

      A parte i gustosi (e a volte un po’ acidini 🙂 ) aneddoti di Rod Davis sui primi vagiti dei Quarrymen e di John Lennon, mi hanno molto interessato i riferimenti al movimento skiffle. Ho sempre pensato che il folk music revival degli Stati Uniti, oltre ad aver rappresentato una delle musiche che più ho apprezzato ai tempi, ha avuto un’importanza fondamentale nello sviluppo del rock americano nel suo complesso. Ma anche il movimento skiffle in Gran Bretagna non ha scherzato!

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